Las pinturas de latas de sopa de Andy Warhol: qué significan y por qué se convirtieron en una sensación

Las pinturas de latas de sopa de Andy Warhol: qué significan y por qué se convirtieron en una sensación


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

El 9 de julio de 1962, un artista poco conocido llamado Andy Warhol inauguró una pequeña muestra en la Ferus Gallery de Los Ángeles. Su tema que le rasca la cabeza: la sopa Campbell. Cada una de sus 32 pinturas retrató un sabor diferente en la alineación, desde Tomate a Pepper Pot y Crema de apio.

Para Warhol, que no cumplió los 34 años, fue su primera exposición de pintura en solitario. Para entonces, había pasado casi una década como un destacado artista comercial, trabajando con clientes publicitarios de alto nivel como Tiffany & Co. y Dior. Pero estaba decidido a convertirse en un artista "real", reconocido tanto por los museos como por la crítica. ¿Su arma secreta? El estilo de arte emergente "Pop".

¿Qué significan las pinturas de lata de sopa?

El pop puso patas arriba el arte tradicional. En lugar de retratos, paisajes, escenas de batalla u otros temas que los expertos consideraban "arte", artistas como Warhol tomaron imágenes de publicidad, cómics y otros fragmentos de la cultura popular: el "pop" en el arte pop. Utilizaron el humor y la ironía para comentar cómo la producción en masa y el consumismo habían llegado a dominar gran parte de la vida y la cultura estadounidenses. Los artistas abstractos de la década de 1950 como Jackson Pollock pueden haberse glorificado a sí mismos como genios creativos e individualistas, pero los artistas pop de la década de 1960 adoptaron el enfoque opuesto. Intentaron suavizar o eliminar todo rastro de sus propios procesos de creación de arte, como pinceladas, de modo que su trabajo pareciera casi mecánico, como el tema producido en masa que retrataba.

Casi. Para hacer las pinturas de "La lata de sopa Campbell", Warhol proyectó la imagen de una lata de sopa en su lienzo en blanco, trazó el contorno y los detalles y luego lo rellenó cuidadosamente con pinceles y pintura anticuados. Para mantener la coherencia, usó un sello de mano para hacer el patrón de flor de lis alrededor del borde inferior de cada etiqueta, pero no siempre lo hizo bien. Pequeños detalles (pequeños toques de rojo en la pintura de Sopa de tomate, el sello de flor de lis aplicado de manera desigual en otros) delataban los orígenes hechos a mano de las pinturas. Al utilizar técnicas de bellas artes para representar un objeto manufacturado cotidiano, Warhol capturó una contradicción esencial en el arte pop. Aunque se suponía que debían verse como si hubieran sido hechos mecánicamente, cada pintura era ligeramente diferente, y no solo en el sabor de la etiqueta.

LEER MÁS: Andy Warhol recibió un disparo de Valerie Solanas. Lo mató 19 años después

Pero hay una cosa que las 32 pinturas tienen en común. En lugar de detallar el intrincado medallón en el centro de la etiqueta de cada lata, que representa la "medalla de oro a la excelencia" que ganó Campbell's Soup en la Exposición de París de 1900, Warhol lo sustituyó por un círculo de oro simple. “¿Es simplemente porque otras pinturas no se adhieren bien al oro? ¿Porque conseguir las medallas de la forma correcta requeriría mucho trabajo y, de todos modos, es posible que nunca se vea bien? " reflexionó el biógrafo de Warhol Blake Gopnik. "¿Le gustó el golpe gráfico del círculo dorado?"

La fuerza gráfica, y un aire de nostalgia, pueden ser dos razones por las que Warhol eligió la línea de productos de Campbell como su ícono pop. El diseño clásico de la etiqueta había cambiado poco desde su debut a principios del siglo XX, incluido el guión hogareño y cursivo de "Campbell", que, según un archivero de la empresa, era muy similar a la propia firma del fundador Joseph Campbell. Y el propio Warhol se había criado con la sopa Campbell. “Solía ​​beberlo”, dijo. "Solía ​​comer el mismo almuerzo todos los días durante 20 años".

MIRA: Episodios completos de The Food That Built America en línea ahora.

¿Cómo se recibieron por primera vez las pinturas de lata de sopa?

Cuando se inauguró el espectáculo de Warhol en 1962, Pop recién comenzaba. La gente no tenía idea de qué hacer con el arte que era tan diferente de todo lo que se suponía que era el arte.

Por un lado, Irving Blum, uno de los propietarios de Ferus Gallery, eligió exhibir las pinturas en estantes estrechos a lo largo de la galería, no muy diferente al pasillo de un supermercado. "Las latas se colocan en los estantes", dijo más tarde sobre su instalación. "¿Por qué no?"

El espectáculo no causó el impacto que esperaban Blum y Warhol. De hecho, la poca respuesta del público o de los críticos de arte podría ser dura. "Este joven 'artista' es un tonto de cabeza blanda o un charlatán testarudo", escribió un crítico. Una caricatura en el Los Angeles Times satirizaron las pinturas y sus supuestos espectadores. “Francamente, la crema de espárragos no hace nada por mí”, le dice un amante del arte a otro, de pie en la galería. "Pero la aterradora intensidad de los fideos de pollo me da una verdadera sensación zen". Un comerciante de arte en la calle de Ferus Gallery era aún más mordaz. Colocó latas reales de sopa Campbell en su ventana, junto con un letrero que decía: "No se deje engañar. Obtenga el original. Nuestro precio más bajo: dos por 33 centavos ".

A pesar de todo, Blum logró vender cinco cuadros, la mayoría a amigos, incluido el actor Dennis Hopper. Pero incluso antes de que terminara el espectáculo, dio un giro brusco. Al darse cuenta de que las pinturas funcionaban mejor como un conjunto completo, Blum volvió a comprar las que había vendido. Aceptó pagarle a Warhol $ 1,000 por las 32 pinturas, pagado en 10 meses. Warhol estaba emocionado, siempre había pensado en "Campbell’s Soup Cans" como un set. Tanto para el artista como para el marchante, la decisión fue un movimiento "astuto" que valdría la pena en el futuro.

MIRA: La temporada 1 de The Food That Built America sin iniciar sesión ahora.

¿Por qué las pinturas se volvieron tan sensacionales?

Una vez que el público y los críticos superaron su conmoción, se calentaron con las latas de sopa de Warhol. Por un lado, hicieron que el arte fuera divertido. ¿Qué tan difícil podría ser entender una pintura cuando el original probablemente estaba en el estante de la cocina? Los críticos comenzaron a ver el humor astuto e irónico en los "retratos" de Warhol de Scotch Broth y Chicken Gumbo. Y la decisión de Blum de mantener las pinturas juntas aumentó su impacto.

La exposición en Ferus Gallery marcó un punto de inflexión en la carrera de Warhol. Después de las "latas de sopa Campbell", Warhol pasó de la pintura a la serigrafía, un proceso que produjo resultados más mecánicos y le permitió crear múltiples versiones de una sola obra. Su reputación siguió aumentando. En 1964, el precio de venta de una lata de sopa que no estaba en el set de Blum se había disparado hasta los 1.500 dólares, y la alta sociedad de Nueva York usaba vestidos de papel en una lata de sopa, hecha a medida por el propio Warhol, en las inauguraciones de las galerías.

No pasó mucho tiempo para que Campbell’s Soups se uniera a la diversión. A fines de la década de 1960, la compañía saltó a la moda entonces popular de los vestidos de papel, y presentó el Souper Dress, un pequeño y divertido número cubierto con etiquetas de sopa al estilo Warhol. Cada vestido tenía tres bandas doradas en la parte inferior, por lo que la usuaria podía recortar su vestido al largo ideal sin cortar el patrón de la lata de sopa. El precio: 1 dólar y dos etiquetas de sopa Campbell.

LEER MÁS: Nueve de las loncheras escolares más coleccionables, desde 1935 hasta ahora

Hoy en día, las latas de sopa Warhol siguen siendo un ícono de la cultura pop, apareciendo en todo, desde platos y tazas hasta corbatas, camisetas, tablas de surf y tablas de skate. Una de las imágenes más impactantes involucró al propio Warhol: la portada de mayo de 1969 de don La revista lo mostró ahogándose en una lata de sopa de tomate Campbell's.

Al final, las latas de sopa de Warhol fueron reconocidas como arte digno de un museo, nada menos que por el Museo de Arte Moderno. En 1996, el museo compró las 32 pinturas de Irving Blum por más de $ 15 millones, un retorno asombroso de su inversión de $ 1,000 en 1962. Incluso el Souper Dress ha sido declarado un clásico. En 1995, un año antes de que las pinturas fueran al MoMA, pasó a formar parte de la colección del Museo Metropolitano de Arte.


Andy Warhol creó una serie de pinturas conocidas como sus & # 39Piss Paintings & # 39

"Andy Warhol's Oxidación pinturas, tal vez más que cualquier otra serie en su obra, encarnan una paradoja sorprendente: son a la vez estéticamente ricos y alegremente transgresores ", se lee en la descripción de Las oxidaciones en el sitio web de la casa de subastas de lujo Christie. Según el sitio, una de las pinturas, que presenta un fondo cobrizo interrumpido por manchas verdes, se vendió por casi $ 1.9 millones en 2008.

"Su superficie ofrece un deleite sensual en su iridiscencia cobriza, y su composición está animada por elegantes salpicaduras que irradian hacia afuera con energía visceral", continúa la descripción de Christie de la obra. "Sin embargo, el método de Warhol para lograr una abstracción pictórica tan rica fue notoriamente básico, el producto de Warhol y compañía orinando sobre el lienzo revestido de cobre".

En su libro de 1989 Los diarios de Andy WarholWarhol explicó que su asistente, Ronny Cutrone, era el candidato ideal para aportar el fluido corporal. "Toma mucha vitamina B, por lo que el lienzo se vuelve de un color realmente bonito cuando está orinando", escribió el artista.

El propio Cutrone recordó, citado en Andy Warhol: El trabajo tardío (a través de Christie's) - que el proceso artístico para Las oxidaciones "se convirtió casi en una especie de actuación". Añadió: "El estudio se convertiría en un inodoro, un urinario gigante".


Estilo de arte pop de Andy Warhol (c.1959-73)

NOTA:
Andy Warhol es ahora considerado como uno de los más grandes artistas posmodernistas del siglo XX. Junto con Francis Bacon, sus obras se encuentran entre las 10 pinturas más caras del mundo, y su contribución al arte estadounidense no puede subestimarse. Como el artista célebre de la Arte pop movimiento, él, junto con el pintor Roy Lichtenstein, el escultor Claes Oldenburg y otros, redefinió el arte contemporáneo de las décadas de 1960 y 1970. Su serigrafía El retrato revitalizó el género del retrato artístico, convirtiéndolo en uno de los retratistas más innovadores del siglo XX.

Liz Taylor (1962) Retrato en serigrafía.
Uno de una serie de
retratos de imágenes de Andy Warhol de
la estrella de cine. Estas obras clasifican
entre los mejores retratos
del siglo XX.

Accidente de coche verde (1963).
Una de las imágenes de desastres de Warhol,
basado en fotos policiales del accidente
víctimas de la escena. Ahora uno de los del mundo
Las 20 pinturas más caras.

PINTURA CONTEMPORANEA
Para otras fotos como esas
producido por Andy Warhol, ver:
Las mejores pinturas del siglo XX.

PINTORES MODERNOS
Para más artistas como
Andy Warhol, ver:
Artistas modernos.

El entusiasmo de Andy Warhol porque la estética de la televisión, las columnas de los periódicos de sociedad y las revistas de fans iban completamente en contra del modelo europeo del artista de vanguardia en lucha que habían seguido los expresionistas abstractos. Warhol exigía riqueza y fama, y ​​consideraba fascinante a cualquiera que las tuviera. Además de esto, su `` paleta de lápiz labial y peróxido '' es, como ha señalado Adam Gopnik (New Yorker, 10 de abril de 1989), un sentido del color totalmente original que hace que todas las paletas estadounidenses anteriores parezcan europeas. la originalidad definió su identidad artística, y el aspecto fresco de sus pinturas, explotando las últimas técnicas de arte comercial, lo validó.

Parte de la habilidad única de Warhol radica en su reconocimiento de que una persona puede comunicarse a través de los medios de comunicación de manera mucho más efectiva que un objeto de arte, e intentó definir su existencia por completo en el plano superficial de las imágenes reproducibles. En su catálogo de la exposición de 1968 para el Moderna Museet de Estocolmo, escribió: “Si quieres saber todo sobre Andy Warhol, mira la superficie de mis pinturas y ahí estoy. No hay nada más ''. Desde principios de la década de 1960 hasta su muerte en 1987, Warhol hizo un uso inteligente tanto del estilo como de los medios de comunicación, y al hacerlo expuso los valores superficiales de la sociedad contemporánea con una franqueza que era a la vez subversiva y muy adelantada a su tiempo. . Demostró que toda la fama es igual y básicamente sin sentido en un mundo de imágenes en constante cambio, su propia imagen pública puede haber sido irresistiblemente glamorosa, pero su superficialidad también dejó un inquietante vacío emocional.

Nota: Otros artistas pop fueron: Alex Katz (n. 1927), Ray Johnson (1927-95), Tom Wesselmann (n. 1931), James Rosenquist (n. 1933), Jim Dine (n. 1935) y Ed Ruscha ( n. 1937).

Warhol nació cerca de Pittsburgh en 1928 en una familia de inmigrantes eslovacos de clase trabajadora católica bizantina. Después de obtener una licenciatura en diseño gráfico de Carnegie Tech en 1949, se mudó a un apartamento en la ciudad de Nueva York con su compañero de clase Philip Pearlstein (n. 1924) y rápidamente logró el éxito como artista comercial. Los dibujos de Warhol en el New York Times de zapatos para Miller and Co le trajeron una aclamación especial, y en una década se convirtió en uno de los artistas comerciales mejor pagados de la ciudad, ganando 65.000 dólares al año. Warhol continuó su carrera en el arte gráfico hasta diciembre de 1962, pero desde el principio tuvo aspiraciones privadas de convertirse en un exitoso artista de bellas artes.

Estilísticamente, los intentos de Warhol en el arte en la década de 1950 estaban estrechamente relacionados con su trabajo comercial en publicidad, y varios de los métodos y técnicas de su práctica de diseño comercial anticiparon aspectos de su arte posterior. Por ejemplo, organizó & quot; fiestas de colores & quot; para producir sus anuncios y delegó varias tareas a su madre, tácticas que repetiría más tarde en su amplio uso de asistentes para fabricar su obra de arte. De manera similar, su técnica de dibujar, o calcar imágenes de revistas, en papel y luego transferirlas con tinta húmeda sobre un fondo preparado se repitió más tarde en su adopción de la serigrafía.

Características del arte pop temprano de Warhol

Si bien varias de las prácticas artísticas de Warhol de la década de 1950 persistieron en su obra posterior, difícilmente puede decirse que hayan conducido inevitablemente a la impactante franqueza con la que repentinamente comenzó a adoptar un estilo de arte comercial en su pintura a fines de 1959. existe algún precedente de su apropiación radical de temas directamente de los medios de comunicación para sus grandes pinturas de imágenes de cómics y anuncios de periódicos (por ejemplo, Campbells Soup Can, 1962). Según Barry Blinderman (Modern Myths: An Interview with Andy Warhol, 1981), a principios de los sesenta Warhol usó un proyector para transcribir y ampliar sus fuentes con precisión mecánica, y en sus declaraciones a la prensa hizo hincapié en descartar cualquier originalidad en su trabaja. Sin embargo, abandonó los cómics como tema desde el momento en que se encontró con las pinturas de cómics de Roy Lichtenstein en la Galería Leo Castelli en 1961, revelando un agudo instinto de la necesidad de crear un estilo original.

Habiendo decidido un tema - anuncios baratos, cómics y titulares de los periódicos sensacionalistas baratos - Warhol jugó con varios estilos entre 1960 y 1962. En algunas composiciones transcribió sus fuentes de manera suelta con gotas de pintura para darles el tipo de carácter expresivo que se encuentra en la pintura gestual. Al mismo tiempo, creaba otras imágenes con bordes duros y precisos, un estilo frío y mecánico que finalmente se decantaba, llamándolas sus cuadros "sin comentarios".

Warhol disfrutó de las imágenes no selectivas producidas en masa que adormecían la mente promovidas por la publicidad en los medios. Su arte expresaba y exaltaba la "similitud" de la cultura de masas que aborrecían los llamados intelectuales involucrados en el expresionismo abstracto. En su libro The Philosophy of Any Warhol (1975), dijo que lo que le gustaba de Estados Unidos era que sus consumidores más ricos compran muchas de las mismas cosas que los más pobres. "El presidente bebe Coca-Cola, Elvis bebe Coca-Cola, todos y cada uno beben Coca-Cola". Y ninguna cantidad de dinero puede comprar una Coca-Cola mejor porque todas las Coca-Cola son iguales.

Aun así, su elección de sujetos no fue aleatoria ni arbitraria. Como revela Kynaston McShine en su publicación Andy Warhol: A Retrospective (1989, MOMA, Nueva York), muchas de sus primeras imágenes - & quot; Pelucas & quot, & quot; ¿Dónde está tu ruptura? & Quot; & quot; Antes y después & quot - sobre productos que prometen mejoras corporales en la postura, el cabello, y músculos más grandes, reflejan las inseguridades físicas de Warhol. Incluso Superman y Popeye, a quienes pintó en 1960-61, son personajes que experimentan transformaciones físicas instantáneas. La interpretación de McShine está corroborada por los intentos de Warhol de mejorar su apariencia en la década de 1950, al usar una peluca plateada y someterse a una cirugía estética para remodelar su nariz en 1957.

Warhol no tuvo una exhibición de sus pinturas pop en Nueva York hasta que Eleanor Ward las promocionó en la Stable Gallery en el otoño de 1962, aunque colgó algunas de ellas (por ejemplo, Publicidad, El pequeño rey, Superman, Antes y después, y Saturdays Popeye) como telón de fondo de los maniquíes de moda en una exhibición de grandes almacenes que organizó para Bonwit Teller en abril de 1961. Fue Irving Blum de la Ferus Gallery (Los Ángeles) quien le ofreció su primera exposición en una galería, en el otoño de 1962: una instalación de treinta y dos latas de sopa Campbell, que miden 20 X 16 pulgadas cada una. Warhol, siempre al tanto de las últimas tendencias, pudo haberlos pintado como una respuesta a Painted Bronze Ale Cans (1960) de Jasper Johns, pero superaron a la escultura de Johns en la blanda neutralidad de su estado de producción en masa. Las imágenes son tan irresistiblemente lo que son que no son latas de sopa sino imágenes, divorciando el & quotsignifier & quot del & quotsignified & quot más absolutamente que casi cualquier cuadro creado hasta ese momento. Aunque algunos de los dibujos de Warhol de latas de sopa aún conservan una delicada calidad gestual hasta 1962, las treinta y dos latas no tienen rastro de gesto expresivo o individualidad.

Serigrafías: eliminando el toque de artista

Warhol pintó a mano las latas y los titulares de los periódicos de 1961 y 1962, pero a finales de 1962 descubrió cómo transferir una imagen fotográfica a una serigrafía e inmediatamente cambió a esta técnica, eliminando todos los rastros del toque del artista y produciendo una imagen más separada mecánicamente. fotografía. Además, llegó a depender cada vez más de asistentes para crear sus pinturas. En junio de 1963 contrató a Gerard Malanga para que trabajara a tiempo completo en las pinturas serigráficas y poco a poco se fueron sumando otros asistentes a la nómina. Operaron como el personal de una oficina de diseño gráfico. Cuando Warhol comenzó a trabajar en su Marilyn Monroes, por ejemplo, Malanga y Billy Name realizaron la mayor parte del trabajo, como cortar cosas y arreglar las pantallas, mientras él caminaba por las filas haciendo preguntas como & quot; ¿De qué color crees que sería bonito? & Quot; Warhol hizo un punto deliberado de su no participación, creyendo que alguien más debería poder hacer todas sus pinturas por él. Afirmó que la razón por la que usaba asistentes y trabajaba de la forma en que lo hacía era porque quería ser una máquina y crear una apariencia totalmente "neutral", desprovista de cualquier toque humano. Sin embargo, la verdad es que fácilmente podría haber subcontratado el trabajo si realmente hubiera querido un aspecto auténticamente comercial. Tal como estaba, prefería incluir algún error humano ocasional, como la desalineación de las pantallas, el entintado desigual y las manchas intermitentes.

Marilyn Monroes Lips (1962, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington DC) tiene el aspecto de una tirada imperfecta, donde la línea negra y la pantalla a color no encajan del todo y la calidad del entintado varía ampliamente. La repetición banal creada por los procesos comerciales del mercado de masas parece entrar en conflicto con una presencia individual (aunque pasiva) tanto en esta pintura como en Gold Marilyn Monroe (1962, Museum of Modern Art, NY). La repetición da a las imágenes una apariencia anónima e impasible, mientras que rasgos específicos en cada unidad imperfectamente fabricada logran imponerse, creando una incómoda disonancia entre la fachada mecánica y el sentido del individuo enterrado en ella. Así, tanto el observador como el artista se reducen a ser nada más que mirones pasivos, experimentando la vida como una cadena de montaje de imágenes producidas en masa.

Imágenes de estrellas de cine y desastres: un vacío aterrador

El creciente número de retratos de Marilyn Monroe, Liz Taylor y otras estrellas de cine tuvo mucho que ver con el entusiasmo de Warhol por el glamour y el brillo de Hollywood. En Andy Warhol (1968), su catálogo de exposiciones para el Moderna Museet de Estocolmo, afirmó: "Amo Hollywood. Es hermoso. Todo el mundo es de plástico. Quiero ser de plástico ''. Era el fan máximo, el consumidor final. Sin embargo, su "Marilyn Monroes" también tiene un lado oscuro. Fueron realizados tras el suicidio de la actriz en agosto de 1962. Es más, la repetición mecánica de su retrato la hace parecer transparentemente superficial, negándole cualquier sentido de individualidad bajo la imagen superficial. Constituye una despersonalización aterradora de un ser humano, y quizás refleja la propia imagen que el artista tiene de sí mismo. Todavía en 1975, por ejemplo, escribió: "Todavía me persigue la idea de mirarme en el espejo y no ver a nadie, nada".

Durante la cobertura televisiva de una tragedia nacional como el suicidio de Marilyn Monroe o el asesinato y funeral de John F. Kennedy (todo lo cual Warhol pintó obsesivamente), los mismos videoclips se reproducen una y otra vez durante días y días. "Marilyns" de Warhol y otros retratos con múltiples imágenes tienen la misma repetición anestesia.

En 1963, Warhol comenzó a trabajar en una serie de desastres, por ejemplo, Saturday Disaster (1964, Rose Art Museum, Brandeis University) que desarrolló aún más la calidad mórbida de los & quot Marilyn & quot. , la silla eléctrica y la bomba atómica. Reprodujo las imágenes en una variedad de colores y patrones decorativos. Estas imágenes son inquietantes no solo por su horripilante claridad, sino también porque el desapego de Warhol sugiere una despersonalización horrible: un vacío emocional que refleja la Alienación de la vida en los años sesenta.

En 1962 y 1963 Warhol creó varios retratos del artista neo-dadaísta Robert Rauschenberg, a quien reverenciaba por haber pasado de la pobreza a la fama. En cierto sentido, el ejemplo de Rauschenberg ejemplificó el célebre dicho de Warhol de que "en el futuro todos serán mundialmente famosos durante quince minutos". Warhol se sintió muy atraído por la noción de celebridad como una especie de producto de consumo que cualquiera puede poseer.

A finales de 1963, el estudio de Warhol se trasladó a una antigua fábrica en East Forty-seven Street. & quot; The Factory & quot, como se le conoció, evolucionó gradualmente hasta convertirse en un lugar lleno de personalidades de la moda chic y otras & quot; gente guapa & quot, drag queens, junto con miembros de la música underground, muchos de ellos ocupados con drogas y / o comportamientos extraños. Warhol, al parecer, necesitaba estar rodeado de rarezas además de artistas, de decadencia y libertinaje, así como de bellas artes. En cualquier caso, Warhol todavía estaba produciendo en 1964. De hecho, mirando hacia atrás, muchos críticos de arte todavía están convencidos de que la importante obra de Warhol data de 1960 a 1964.

En 1965, la creciente fama de Warhol estaba atrayendo a otras celebridades de Nueva York, que querían ver y ser vistos en The Factory. Al mismo tiempo, los medios de comunicación acosaban a Warhol, mientras visitantes y parásitos se disputaban su atención. Durante el otoño de 1965, en la inauguración de la exposición de Warhol en el Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia, cuatro mil personas se acomodaron en dos salas pequeñas y el personal tuvo que quitar las pinturas de las paredes por seguridad. ¡Fue una exposición de arte sin arte!

"Me preguntaba qué era lo que había hecho gritar a toda esa gente", recordó más tarde Warhol, en el libro Popism (1980, Warhol & amp Hackett). “Fue increíble pensar que sucediera en una inauguración de arte. Pero entonces, no estábamos solo en la exhibición de arte, éramos la exhibición de arte ''.

En 1966, la multitud de The Factory comenzó a congregarse por las noches en un restaurante en Union Square conocido como Max's Kansas City. Fue popular entre artistas y escritores y sus cuartos traseros albergaron un circo de exhibicionismo, drogas y sexualidad. Los visitantes famosos incluyeron a Truman Capote, Bobby Kennedy, junto con figuras influyentes del establecimiento de la ciudad, así como de su metro. Pero Warhol siguió siendo el catalizador: la presencia que inspiraba o provocaba pasivamente a las personas a vivir sus fantasías, mientras él miraba o tomaba fotografías.

Una de las galerías de arte posmodernista más prestigiosas de Nueva York era propiedad de Leo Castelli. Warhol siempre había querido tener una exposición individual allí (Roy Lichtenstein había tenido una allí en 1962), y Castelli finalmente le dio una en 1964. Su primer espectáculo, fue de & quotFlowers & quot, en el que Warhol se alejó más del naturalismo en su paleta - no es que sus obras anteriores fueran en un sentido fuerte naturalistas, sino que tendía a utilizar una escala de valores que correspondía a la naturaleza, o una escala más artificial con al menos una semejanza residual. A partir de 1964, comenzó a incorporar colores totalmente no naturalistas en su paleta: por ejemplo, pintando turquesas y rosas & quotCampbell's Soup Cans & quot en lugar de rojas y blancas y creando & quotSelfreits & quot de varios tonos con una cara azul y cabello amarillo.

En 1966, habiéndose convertido en la principal celebridad del arte de Nueva York de los años sesenta, con una exposición en la galería más de moda, Warhol se estaba aburriendo de la pintura y prácticamente se detuvo, prefiriendo centrarse en promover una actuación psicodélica y multimedia llamada & quot The Exploding Plastic Inevitable , & quot con la banda de rock Velvet Underground. También se dedicó cada vez más al cine, filmando The Chelsea Girls (1966), la primera película clandestina económicamente exitosa, aunque sumamente aburrida. A esto le siguieron una serie de películas espantosas que no lograron justificar totalmente su facturación artística. Esto no fue una sorpresa, ya que sus primeras películas fueron inflexiblemente Warholesque en su pasividad. Todo lo que hizo fue simplemente apuntar la cámara a alguien y dejarla correr, no había banda sonora, como en su película sin acción de 6 horas titulada Sleep (1963). En Eat (1963), la cámara enfoca continuamente durante 45 minutos al artista pop Robert Indiana mientras devora un hongo. En Empire (1964), la cámara enfoca rígidamente durante 8 horas en la parte superior del Empire State Building.

En 1967, The Factory se mudó al 33 de Union Square West y la escena se volvió cada vez más extraña hasta junio de 1968, cuando Warhol recibió un disparo y resultó gravemente herido por una groupie, Valerie Solanas, que tenía un pequeño papel en una de sus películas. El ambiente de carnaval terminó abruptamente. Warhol fue declarado muerto en la mesa de operaciones, pero afortunadamente revivió. Después de pasar 8 semanas en el hospital, regresó a The Factory asustado. A pesar de su temor de perder su creatividad sin el estímulo del caos tipo carnaval a su alrededor, se restringió el acceso al estudio. The Factory se concentró en el arte de producción masiva que vendería: es decir, souvenirs comerciales de la vanguardia que Warhol denominó & quotBusiness Art.

De hecho, las obras de arte de Warhol se habían producido utilizando métodos de línea de montaje desde 1963: a mediados de los años 60, The Factory fabricaba hasta 80 pinturas serigrafiadas por día y en un momento una película cada semana. En cualquier caso, a mediados de 1969, las bellas artes de Warhol se habían secado en gran medida. Como Brigid Polk, una de las asistentes de estudio de Warhol, fue citada diciendo: "Lo he estado haciendo todo durante el último año y medio. Andy ya no hace arte. Está aburrido de eso. En gran parte, era cierto. Warhol había dirigido su atención a otras empresas como Interview, su revista de chismes de la alta sociedad.

A principios de la década de 1970, Warhol reavivó su interés por la pintura con una serie de retratos de sociedad y fotografías del líder comunista chino Mao Zedong, por ejemplo. Mao (1973, Instituto de Arte de Chicago). A estas alturas, Warhol se había convertido en un artista-celebridad internacionalmente conocido, el artista más comentado después de Picasso, y un invitado habitual en eventos sociales y culturales de primer nivel. A medida que comenzó a desarrollarse el final de Vietnam, junto con las revelaciones políticas y criminales de Watergate, tanto los muy ricos como el movimiento de protesta de la contracultura se preocuparon por los símbolos. Las pinturas de Warhol del presidente Mao divirtieron a los coleccionistas de arte adinerados y, al mismo tiempo, confirmaron el predominio del capitalismo occidental al transformar al icónico campeón de la revolución mundial en un producto de consumo para los ricos.

Aparecieron más pinturas de retratos. De hecho, los retratos en serigrafía de sociedad de Warhol de los años setenta revitalizaron el género del retrato artístico. Muchos se imprimieron en terrenos preparados de pinceladas de textura en un formato estándar de dos paneles de 40 x 40 pulgadas, y muchos de los sujetos adoptaron la apariencia de objetos plásticos adimensionales.

En los años setenta y ochenta, Warhol asumió más encargos de publicidad y diseño. Incluso se convirtió en un producto de consumo cuando apareció en el catálogo navideño de 1986 de Neiman-Marcus: anunciaba una sesión de retratos con Warhol a un costo de 35.000 dólares. La asociación cada vez más intensa de Warhol con el estatus y el dinero explotó la superficialidad y el materialismo de la cultura de consumo estadounidense en los años 70 y 80, cuando las personas en todas partes comenzaron a sentirse más alienadas con la irrealidad de la vida. Como admitió el propio artista: "No sé dónde se detiene lo artificial y dónde comienza lo real". Una triste admisión del sumo sacerdote del arte pop, que hizo una carrera al revelar la "verdad" sobre la sociedad moderna.

Las pinturas y dibujos de arte pop de Andy Warhol se pueden ver en muchas de las mejores galerías de arte contemporáneo del mundo y en los mejores museos de arte de todo el mundo.

& # 149 Para biografías de otros artistas modernos, vea: Pintores famosos.
& # 149 Para obtener más detalles sobre la pintura, consulte: Página de inicio.


Campbell & # 39s es una de las empresas más sostenibles del mundo

Si está tratando de tomar decisiones más responsables en lo que respecta a los hábitos de compra de su familia, puede confiar en su elección de adquirir los productos Campbell's; simplemente hágalo en la empresa de medios e investigación Corporate Knights.

En 2019, nombraron a Campbell's Soup en su lista anual de las 100 corporaciones más sostenibles del mundo. Eso es impresionante, y lo más impresionante es que fue una de las 22 empresas estadounidenses que estaban en la lista, y solo una de las dos empresas de alimentos con sede en EE. UU. (El otro era McCormick).

También está lejos de ser su único premio. Después de ser reconocidos por la revista Corporate Responsibility por octavo año consecutivo, Forbes conversó con Dave Stangis, Vicepresidente de Responsabilidad Corporativa y Director de Sustentabilidad de Campbell. Según él, sucedieron muchas cosas en 2018: estaban trabajando para cambiar más de su empresa a las energías renovables, aumentando la cantidad de reciclaje que hacen, y lo estaban haciendo todo en línea con un objetivo que se habían fijado. 2010: reduzca su huella ambiental a la mitad, para 2020. Al abordar los impresionantes objetivos de Campbell, Stangis dijo lo siguiente: "[.] Encuentra tus principios y decide lo que defiendes. Es mucho más productivo defender lo que estás a favor en lugar de defender las cosas en las que estás en contra ".


¿Por qué Andy Warhol & # 039s Campbell & # 039s Soup es famoso?

As the name suggests, Andy Warhol&rsquos Campbell's Soup is not a soup variety, but an art piece. It is a collection of 32 different 20x16 inches canvases, each of which is a painting of a can of Campbells soup in different colors. At first sight, you will not feel anything special about them, and all of them look very much the same. But when you take a close look at their names, each represents a different soup variety available at that time. They were created in 1962 by Andy Warhol, who was a successful painter, author, film director and painter. He showed this creation in the Ferus Gallery, Los Angeles, California, and marked the beginning of Pop Art in the West Coast. Read this oneHOWTO article to find out why is Andy Warhol's Campbell's Soup famous?


Why Did Andy Warhol Paint Soup Cans?

Known to be his most iconic work of all time, the ‘ 32 Campbell’s Soup Cans ’ from 1962 is still being enjoyed by museum visitors today, at the MoMA in New York. It was known that when reflecting back on his career, Warhol claimed that this piece was his favourite work , and that “I should have just done the Campbell’s Soups and kept on doing them… because everybody only does one painting anyway.”

Many stories say that Warhol’s choice to paint soup cans reflected on his own devotion to Campbell’s soup as a customer. Robert Indiana once said , “I knew Andy very well. The reason he painted soup cans is that he liked soup.”

Warhol was thought to have focused on them because they composed a daily dietary staple. Others said Campbell’s was a brand “close to his heart”.

Regardless of the reason why Warhol decided to focus on Campbell’s soup, this piece of art certainly brought him the attention and fame that lives on today.


Andy Warhol: A Lot More than Soup Cans

Bruce Chadwick lectures on history and film at Rutgers University in New Jersey. He also teaches writing at New Jersey City University. He holds his PhD from Rutgers and was a former editor for the New York Daily News. Mr. Chadwick can be reached at [email protected]

A month ago, I watched a television program that covered, briefly, the art of pop icon Andy Warhol, he of all the Campbell&rsquos Soup cans. The narrator said that Warhol had passed into history and that young people today probably had no idea who he was.

I was startled. Young people did not know who the thin man with the white hair was, the man who hung out with Liz Taylor, Liza Minelli, dress designer Halston and the Jaggers? The man who painted the famous Mao portrait? Truman Capote&rsquos buddy?

I&rsquom a professor, so the next day I asked my classes, 25 students in each, if they knew who Andy Warhol was. I didn&rsquot say artist or painter Andy Warhol, just Andy Warhol.

The hands shot into the air. About 95% of them knew who he was.

Andy Warhol will never pass from the scene. That is proven, conclusively, in the largest exhibit of his work in generations at the Whitney Museum, in New York, Andy Warhol &ndash From A to B and Back Again. It is a marvelous and exciting tribute to his work and is attracting huge crowds.

The crowds are not art aficionados from the 1960s, either, but young women with baby carriages, high school student groups, young couples and foreign tourists. Warhol was an international celebrity and a celebrity superstar in addition to being a memorable artist, and, these crowds indicate, always will be remembered.

&ldquoModern art history is full of trailblazers whose impact dims over time,&rdquo said Curator Scott Rothkopf. &ldquoBut Warhol is that extremely rare case of an artist whose legacy grows only more potent and lasting. His inescapable example continues to inspire, awe and even vex new generations of artists and audiences with each passing year.&rdquo

Another curator, Donna De Salvo, said the originally Avant Garde Warhol has become part of mainstream art. &ldquoWarhol produced images that are now so familiar that it&rsquos easy to forget how just how unsettling and even shocking they were when they debuted,&rdquo she said.

Warhol really became famous not so much because of his new age art, but because of his celebrity. He was friends with many of the biggest entertainment stars in the world, was a fixture at legendary New York nightclub Studio 54 in the 1980s, paled around with fashion designer Halston, drank wine with Liza Minelli and lunched with Liz Taylor. He was almost murdered in 1968 when an irate actress from his film studio, the Factory, shot him several times. The shooting made front page news all over the world. He was a central character in the movie Factory Girl, about Edie Sedgwick, one of his Factory actresses.

Everybody recognized him instantly since he wore those thick glasses and had that mop top of dyed white hair. That fame was why people paid so much attention to his often-bizarre work. Some said that the quiet boy from Pittsburgh, who fell in love with Shirley Temple as a kid created a unique persona of himself that worked well.

The Warhol exhibit, a real achievement in cultural history, occupies all of the fifth floor at the Whitney plus additional galleries on the first and third floors. The best way to start is on the first floor and the gallery of his oversized portraits. They are mounted in log rows across the walls of the room and they introduce you to Andy the celebrity and Andy the artist at the same time. The portraits also tell you a lot about show business and art history in the 1960s and &lsquo70s. There are lots of famous people on the walls here, like Liza Minelli, Dennis Hopper, soccer star Pele, socialite Jane Holzer and Halston, but lots of people you never heard of, too.

The third-floor houses wall after wall of his famous &ldquoCow Wallpaper,&rdquo adorned with hundreds of similar heads of a brown cow. It is eye-opening and hilarious.

Another room has a stack of his popular blue and white Brillo pad boxes and a wall full of S & H Green Stamps (remember them?)

There are his paintings of magazine covers and lots of newspaper front pagers (an eerie one about a 1962 Air France plane crash).

You learn a lot about his personal life. As an example, as a young man he became a fan of Truman Capote, who wrote Breakfast at Tiffany&rsquos and called him every single day.

There are drawings of celebrity&rsquos shoes to show how they represented their personalities. Christine Jorgensen was one of the first modern openly transgender women, so she has shoes that don&rsquot match each other.

Unknown to most, he loved to do paintings of paintings of comic strip characters. Two in the exhibit, of Superman and Dick Tracy, in blazing bright colors, were displayed in a New York City department store window.

What makes the exhibit so enjoyable at the Whitney Museum, recently opened on Gansevoort Street near the Hudson River, is the way the curators use its space. Unlike most museum exhibits, where everything is scrunched together, the curators used the large, high ceilinged rooms wisely, putting the 350 Warhol pieces, especially the very large ones (some are thirty feet wide) alone on the pristine white walls so they jump off the wall at you. You go around one corner and there is Elvis Presley as a gunslinger in four separate portraits firing one of his six-guns. Next to him is Marlon Brando in a leather jacket and on his motorcycle.

There are weird walls of photos such as most wanted criminals he drew from photos in a New York State Booklet, &ldquo13 Most Wanted Men.&rsquo There is a series of his copies of Leonardo da Vinci&rsquos Mona Lisa and then his copy of his copy.

He did inspirational photos and silkscreens. A woman named Ethel Sculls CHEC arrived at his studio one day for what she thought would be a traditional portrait. Instead, Warhol took her to Times Square and had her sit for dozens of photos in the cheapie photo booths there, where all the going-steady high school kids went. The result &ndash a sensational wall of photos of her in different giddy and seductive poses. Brillante.

There are photos of Jackie Kennedy Onassis. One set is of her smiling on the morning before her husband&rsquos murder and then, in the next strip, is her, somber, at the President&rsquos funeral. There is a wall full of his famous photo of Marilyn Monroe. There is a world famous, mammoth, and I mean mammoth, portrait of China&rsquos Chairman Mao. One wall is filled with his fabled Campbell&rsquos soup can paintings and another with his Coca Cola works.

Sprinkled among all of these paintings are real life photos and videos of Warhol at work.

There is a large television set on the third floor in which you see a truly bizarre video of Warhol simply eating a cheeseburger for lunch (he&rsquos doing to get sick eating so fast!)

Warhol was also a well-known Avant Garde filmmaker and the museum is presenting dozens of his 16mm movies in a film festival in its third-floor theater. Some of these star the famous Ed Sedgwick, who appeared in many of his films and died tragically of a drug overdose.

Andy Warhol, who died at the age of 58 during a minor operation, led a simple middle-class existence until he arrived in New York. He was born in 1928 in Pittsburgh, was graduated from Carnegie-Mellon University there and then went to New York where he became well-known. He began his career as a commercial artist, earning money for drawings for magazine ads (dozens of them are in the show).

He became famous for his portraits of Campbell&rsquos Soup cans. He painted them because as a kid his family was so poor that he and his brothers had Campbells Soup for lunch every day. Warhol said he had Campbell&rsquos soup for lunch every day for 20 years. He also saw the soup can as a window into America. Él estaba en lo correcto.

The exhibit is a large open window on American history and culture in the 1960s and &lsquo70s and how the outlandish Warhol starred in it and, with his genius, changed it.


The fascinating story behind Andy Warhol's soup cans

On the show's opening night a rival dealer offered soup cans cheaper in his gallery, Warhol's own gallerist bought back the five he'd sold, including one from Dennis Hopper, then offered to buy entire set from Andy for just $3,000

To celebrate the day of Andy Warhol's birth (he was born this day in 1928) we thought it would be an opportune moment to look back at the story behind one of his most iconic works, 32 Campbell's Soup Cans from 1962. There's a fascinating story about the work in our Phaidon Focus iBook for Mac and iPad and it's also featured in our peerless Andy Warhol Catalogue Raisonné.

Reflecting on his career, Warhol claimed that the Campbell’s Soup Can was his favourite work and that, "I should have just done the Campbell’s Soups and kept on doing them . because everybody only does one painting anyway." Certainly, it is the signature image of the artist’s career and a key transitional work from his hand-painted to photo-transferred paintings. Created during the year that Pop Art emerged as the major new artistic movement, two of his soup can paintings were included in the landmark Sidney Janis Gallery exhibition, ‘The New Realists’.

In the spring of 1962, Warhol had been working on his new renditions of ads and comic strips when he saw Roy Lichtenstein’s comic-strip paintings at Leo Castelli Gallery. Soliciting suggestions for subjects to paint, he asked a friend, who suggested he choose something that everybody recognised like Campbell’s Soup. In a flash of inspiration he bought cans from the store and began to trace projections onto canvas, tightly painting within the outlines to resemble the appearance of the original offset lithograph labels. Instead of the dripping paint in his previous ads and comics, here Warhol sought the precision of mechanical reproduction. At this time he received a return studio visit from Irving Blum of Ferus Gallery, Los Angeles, who was expecting to see comic-strip paintings and was surprised by the new soup cans, immediately offering the artist a show that summer. Expanding his subject, he decided to paint one of each of the thirty-two varieties of Campbell’s soups. Blum exhibited the cans on shelves running the length of his gallery.

The exhibition caused a mild sensation in Los Angeles. The more daring members of the youthful art and film community were intrigued by their novelty. Most people, however, treated them with indifference or outright disdain. A nearby art dealer parodied the show by displaying a stack of soup cans, advertising that you could get them cheaper in his gallery. Blum had sold five of the paintings before he recognised that the group functioned best as a single work of art. He bought back the works already purchased, including one from Dennis Hopper, then offered to buy the set from Warhol in instalments for the modest sum of $3,000.

With his Campbell’s Soup Cans installation at Ferus Gallery, the artist realised the possibility of creating works in series, and the visual effect of serial imagery. He continued making variations on his Soup Cans, stencilling multiple cans within a single canvas and so amplifying the effect of products stacked in a grocery store, an idea that he would later develop in the box sculptures. He also realised that the serial repetition of an image drained it of its meaning, an interesting phenomenon most poignantly presented in his Disasters, in which the constant exposure to their graphic displays of violence numbs the senses. And, perhaps the most significant outcome of this series was the artist’s push towards printing to achieve the mechanical appearance that he sought in his paintings.

If that little passage has intrigued you you can order Andy Warhol here in print or here in iBook format for Mac and iPad and check out the other artists in the Focus series here.


Campbell's Soup Cans

Campbell's Soup Cans, which is sometimes referred to as 32 Campbell's Soup Cans, is a work of art produced in 1962 by Andy Warhol. It consists of thirty-two canvases, each measuring 20 inches (51 cm) in height × 16 inches (41 cm) in width and each consisting of a painting of a Campbell's Soup can—one of each of the canned soup varieties the company offered at the time. The individual paintings were produced by a printmaking method—the semi-mechanized screen printing process, using a non-painterly style. Campbell's Soup Cans' reliance on themes from popular culture helped to usher in pop art as a major art movement in the United States.

Warhol, a commercial illustrator who became a successful author, publisher, painter, and film director, showed the work on July 9, 1962, in his first one-man gallery exhibition as a fine artist in the Ferus Gallery of Los Angeles, California. The exhibition marked the West Coast debut of pop art. The combination of the semi-mechanized process, the non-painterly style, and the commercial subject initially caused offense, as the work's blatantly mundane commercialism represented a direct affront to the technique and philosophy of abstract expressionism. In the United States the abstract expressionism art movement was dominant during the post-war period, and it held not only to "fine art" values and aesthetics but also to a mystical inclination. This controversy led to a great deal of debate about the merits and ethics of such work. Warhol's motives as an artist were questioned, and they continue to be topical to this day. The large public commotion helped transform Warhol from being an accomplished 1950s commercial illustrator to a notable fine artist, and it helped distinguish him from other rising pop artists. Although commercial demand for his paintings was not immediate, Warhol's association with the subject led to his name becoming synonymous with the Campbell's Soup Can paintings.

Warhol subsequently produced a wide variety of art works depicting Campbell's Soup cans during three distinct phases of his career, and he produced other works using a variety of images from the world of commerce and mass media. Today, the Campbell's Soup cans theme is generally used in reference to the original set of paintings as well as the later Warhol drawings and paintings depicting Campbell's Soup cans. Because of the eventual popularity of the entire series of similarly themed works, Warhol's reputation grew to the point where he was not only the most-renowned American pop art artist, but also the highest-priced living American artist.

Warhol arrived in New York City in 1949, directly from the School of Fine Arts at Carnegie Institute of Technology. He quickly achieved success as a commercial illustrator, and his first published drawing appeared in the Summer 1949 issue of Glamour Magazine. In 1952, he had his first art gallery show at the Bodley Gallery with a display of Truman Capote-inspired works. By 1955, he was tracing photographs borrowed from the New York Public Library's photo collection with the hired assistance of Nathan Gluck, and reproducing them with a process he had developed earlier as a collegian at Carnegie Tech. His process, which foreshadowed his later work, involved pressing wet ink illustrations against adjoining paper. During the 1950s, he had regular showings of his drawings, and exhibited at the Museum of Modern Art (Recent Drawings, 1956).

Esto es parte del artículo de Wikipedia utilizado bajo la licencia Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 Unported License (CC-BY-SA). El texto completo del artículo está aquí →


Mientras suena en verano, no olvide recordar la importancia de lo que tenemos fuera.

Hogar de los libres gracias a los valientes.

"La bandera estadounidense no ondea porque el viento la mueve. Vuela desde el último aliento de cada soldado que murió protegiéndola".

En el día de hoy en Estados Unidos, actualmente tenemos más de 1.4 millones de hombres y mujeres valientes enlistados activamente en las fuerzas armadas para proteger y servir a nuestro país.

Actualmente hay una tasa aumentada de 2,4 millones de jubilados del ejército de EE. UU.

Aproximadamente, ha habido más de 3,4 millones de muertes de soldados que luchan en guerras.

Cada año, todos esperan el fin de semana del Día de los Caídos, un fin de semana en el que las playas se abarrotan, la gente enciende las parrillas para una divertida barbacoa soleada, simplemente un aumento de las actividades de verano, como un "juego previo" antes de que comience el verano.

Muchos estadounidenses han olvidado la verdadera definición de por qué tenemos el privilegio de celebrar el Día de los Caídos.

En términos simples, el Día de los Caídos es un día para hacer una pausa, recordar, reflexionar y honrar a los caídos que murieron protegiendo y sirviendo por todo lo que somos libres de hacer hoy.

Gracias por dar un paso adelante, cuando la mayoría habría dado un paso atrás.

Gracias por los momentos que se perdieron con sus familias, para proteger la mía.

Gracias por involucrarse, sabiendo que tenía que confiar en la fe y las oraciones de otros para su propia protección.

Gracias por ser tan desinteresado y arriesgar su vida para proteger a los demás, aunque no los conocía en absoluto.

Gracias por resistir y ser un voluntario para representarnos.

Gracias por su dedicación y diligencia.

Sin ti, no tendríamos la libertad que se nos concede ahora.

Rezo para que nunca te entreguen esa bandera doblada. La bandera está doblada para representar las trece colonias originales de los Estados Unidos. Cada pliegue tiene su propio significado. Según la descripción, algunos pliegues simbolizan la libertad, la vida o rinden homenaje a las madres, padres e hijos de quienes sirven en las Fuerzas Armadas.

Mientras viva, ore continuamente por aquellas familias a las que les entregan esa bandera porque alguien acaba de perder a una madre, esposo, hija, hijo, padre, esposa o un amigo. Cada persona significa algo para alguien.

La mayoría de los estadounidenses nunca han luchado en una guerra. Nunca se amarraron las botas y entraron en combate. No tenían que preocuparse por sobrevivir hasta el día siguiente cuando se dispararon disparos a su alrededor. La mayoría de los estadounidenses no saben cómo es esa experiencia.

Sin embargo, algunos estadounidenses lo hacen mientras luchan por nuestro país todos los días. Necesitamos agradecer y recordar a estos estadounidenses porque luchan por nuestro país mientras el resto de nosotros permanecemos a salvo en casa y lejos de la zona de guerra.

Nunca des por sentado que estás aquí porque alguien luchó para que estuvieras aquí y nunca olvides a las personas que murieron porque te dieron ese derecho.

Por lo tanto, mientras está celebrando este fin de semana, beba por aquellos que no están con nosotros hoy y no olvide la verdadera definición de por qué celebramos el Día de los Caídos todos los años.

"... Y si las palabras no pueden pagar la deuda que tenemos con estos hombres, seguramente con nuestras acciones debemos esforzarnos por mantener la fe en ellos y en la visión que los llevó a la batalla y al sacrificio final".


Ver el vídeo: Andy Warhol en un minuto